Sarah Kürten

Sarah Kürten was a 2018 scholarship holder at Villa Aurora, Los Angeles. As a result of the three-month residency, an exhibition was scheduled to take place at FUHRWERKSWAAGE in early 2020, but was postponed several times due to Covid-19.
At the end of August 2021, 1.5 years later, this exhibition could finally be set up and opened. However, the artist now decided to present another, younger work in the exhibition hall. However, MOUNTAINVIEW Gallery offered the opportunity to show main aspects of the originally planned work now on nine panels outside the hall. In this respect, the double exhibition now marks two areas of interest.

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Sarah Kürten war Stipendiatin 2018 in der Villa Aurora, Los Angeles. Als Resultat des dreimonatigen Aufenthaltes sollte Anfang 2020 eine Ausstellung in der FUHRWERKSWAAGE stattfinden, die jedoch aufgrund von Covid-19 mehrfach verschoben wurde.
Ende August 2021, also 1,5 Jahre später, konnte diese Ausstellung endlich eingerichtet und eröffnet werden. Allerdings entschied sich die Künstlerin nun eine andere, jüngere Arbeit in der Ausstellungshalle vorzustellen. Die MOUNTAINVIEW Gallery bot jedoch die Möglichkeit, Hauptaspekte der ursprünglich geplanten Arbeit nunmehr auf neun Tafel im Außenbereich der Halle zu zeigen. Insofern markiert die derartige Doppelausstellung nunmehr zwei Interessengebiete.

Katharina Waltrich - KunstSalon

Jochen Heufelder - FUHRWERKSWAAGE

The exhibition is a project in partnership of KunstSalon and FUHRWERKSWAAGE.

Die Ausstellung ist ein Partnerschaftsprojekt von KunstSalon und FUHRWERKSWAAGE.

The exhibition is supported by Max Meyer Gallery, Düsseldorf

Juliane Herrmann is a documentary photographer, videographer and curator. She currently lives and works in Cologne.
She studied photography at the FH Dortmund University of Applied Sciences and Arts and the AKV St. Joost Art Academy in the Netherlands, where she completed her Master's degree in 2014. In her artistic projects, she is interested in closed societies such as freemasons, student fraternities or scouts. For her current project, Herrmann received a grant from VG Bild-Kunst. Her works have been exhibited and published internationally in various group and solo exhibitions.
In addition to her heartfelt curatorial project "Beyond", which will be on show in the Opelhallen from August as part of the Photoszene, she is also involved in the boards of FREELENS and the Female Photoclub.


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Juliane Herrmann ist Dokumentarfotografin, Videografin und Kuratorin. Sie lebt und arbeitet derzeit in Köln.

Sie studierte Fotografie an der FH Dortmund und der Kunstakademie AKV St. Joost in den Niederlanden, wo sie 2014 ihren Master abschloss. In ihren künstlerischen Projekten interessiert sie sich für geschlossene Gesellschaften wie Freimaurer, Studentenverbindungen oder Pfadfinder. Für ihr aktuelles Projekt bekam Herrmann eine Förderung der VG Bild-Kunst. Ihre Werke wurden in verschiedenen Gruppen- und Einzelausstellungen international ausgestellt und veröffentlicht. Neben ihrem kuratorischen Herzensprojekt „Beyond“, dass ab August in den Opelhallen im Rahmen der Photoszene zu sehen sein wird, engagiert sie sich außerdem in den Vorständen von FREELENS und dem Female Photoclub.

Attitude
"Attitude" is part of a long-term project about the international scout movement that Juliane Herrmann has been working on since 2018.
The Boy Scouts are an international, religiously and politically independent group for children and young people. Worldwide, more than 41 million people from 216 countries belong to the youth movement. Scouts are committed to independent and responsible action, tolerance, environmental protection and sustainability. How this philosophy is lived out in detail can vary greatly from country to country.
In "Attitude", Juliane Herrmann examines the inner and outer attitudes of young scouts from 113 nations. She gives the protagonists a lot of room for self-dramatisation. Through their posture, facial expression, outer appearance and costume, their individuality becomes visible on the one hand, while at the same time their cultural background and affiliation to the scout movement of a particular country is revealed.

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Attitude

„Attitude“ ist Teil eines Langzeitprojektes über die internationale Pfadfinderbewegung an welchem Juliane Herrmann seit 2018 arbeitet.

Die Pfadfinder sind eine internationale, religiös und politisch unabhängige Gruppierung für Kinder und Jugendliche. Weltweit gehören mehr als 41 Millionen Menschen aus 216 Ländern der Jugendbewegung an. Pfadfinder setzen sich für selbstständiges und verantwortliches Handeln, Toleranz, Umweltschutz und Nachhaltigkeit ein. Wie diese Philosophie im Einzelnen gelebt wird, kann von Land zu Land sehr unterschiedlich sein.
In „Attitude“ untersucht Juliane Herrmann die innere und äußere Haltung von jugendlichen Pfadfinder*innen aus 113 Nationen. Dabei lässt sie den Protagonist*innen viel Raum zur Selbstinszenierung. Durch ihre Haltung, ihren Gesichtsausdruck, ihre äußere Erscheinung und ihre Tracht wird zum einen ihre Individualität sichtbar, gleichzeitig zeigt sich ihr kultureller Hintergrund und die Zugehörigkeit zur Pfadfinderbewegung eines bestimmten Landes.

Juliane Hermann,
Jochen Heufelder,
Nazgol Majlessi

Klaus Fritze

...  is a boundary crosser at the interfaces of art and science. He takes up methods and tools of scientific analysis, but radically shifts the context of the experiment and frees it perspectivally from every functional fixation.

His installations resemble a laboratory for scientific experiments. Rows of test tubes and Mason jars are filled withvarious items and found objects, isolated for examination and systematized and categorized in accordance with similarities and differences. He thereby works not only in the seclusion of the exhibition room, but also, for example, in a greenhouse set up in a public park. Brought to the exhibition are not only the apparatus of his experimental designs, but also, starting from and determined by the designs, also the entire course of his experiments. Fritze himself uses the term “exposition” for this work method, in order to set it off from the one-dimensionality of the term “exhibition”. He regards both himself and the framework of his artistic projects as an object of and even more as an impetus for public discussion.

*1959                in Marburg/Lahn, lives und works in Köln and Brühl/Rheinland. Divorced, 2 children.

1982 – 87          Academic Study of Biologie in Marburg and Heidelberg. Diploma

1988–1994         Diploma Thesis, Promotion and Post Doc  at Max Planck Institut for  Plant Breeding Research, Köln

1995–1997         Scientist at Max Plank Institute for  neurolological Research, Köln, numerous publications about Generegulation in plants und the impact of cellular phones upon gene expression in rat brains

1998–2001         Postgraduate academical study at Kunsthochschule für Medien with Valie Export and Jürgen Klauke, Köln. Final Degree Diplom AV Media

Seit 2001           Visual and conceptional Artist. Free lancing work as Scientist and Science education with Fraunhofer Institute IME Aachen and Phytowelt –Green Technologies- GmbH in Köln.

2009 -2012         Organisation of Art- und cultural projects at Christuskirche in Köln.

Selection of SHOWING AND PROJECTS (Selection)

Arcadien 2.0: Installation/Labor für die Digitale / Exoevolution im Zentrum für Kunst und Medien (ZKM) Karlsruhe (2015/16)

Zyklus von vier raum- und zeitbezogenen Installationen in der Galerie Brigitte Schenk, Köln: Gartenraum (2001); Heim und Garten (2011); Arboretum (2013); Der Zuwachs fällt der Hauptsache zu (2017)

Wissenschaft dient der Gesellschaft (2010) Ausstellung mit Feldversuchen, Dortmunder Kunstverein ua. Orte

Laboratorium/Wintergarten (2007/2008), mixed media, temporäre Installation mit Wachstumsprozeßen), Garten als Laboratorium zur Ausstellung Garten Eden in der Kunsthalle  Emden

Beamtenzimmer ( 2002/2003). Künstlerraum/Installation zur Ausstellung Räume II Visio in der Nationalgalerie Hamburger Bahnhof Berlin

Laboratorium – Expositionsmassnahme Hellgrün (2002). Öffentliche Gewächshaus Installation mit

Wachstumsprozessen im Hofgarten zur Ausstellung Hell-Grün (Kulturamt Düsseldorf/Euroga)

Genlaboratorium (2001/2002/2003/2004/2015 ff.) Installationen, Prozesse, Public Science, Practice Lectures: z.B. im Deutschen Museum, München / / Potsdamer Platz Arkaden, Berlin / Goethe Institut, Prag / /Franckesche Stiftungen, Halle // Krönungssaal im Rathaus, Aachen/Art Cologne, Köln.

Klaus Fritze - A.360°

There are very few artists whose work is intensively related to science. Among them, Klaus Fritze is an outstanding representative of the link between research and artistic approach. He is particularly interested in biology and plants. The systematic nature of his approach is just as influential as chance, or the discovery of developments and constellations.
His studio is a special example of the ordered chaos, that serves many creative people as a retreat for their thinking and work: an elementary cosmos of visual and spiritual inspiration.
For the MOUNTAINVIEW Gallery, Klaus Fritze's studio was captured photographically as a snapshot in a 360° panorama - and then folded into the surface in several parts. Admittedly, this fanned-out representation can only begin to reflect the combination of experimental laboratory and place of inspiration. Unlike a painter, for example, there are no paints and canvases, but plants, ice cream umbrellas, postcards, drawer magazines, test tubes, etc. and a resting area located vis-à-vis the work table of the artist working on it. But who is the other person in the picture?

It is a happy coincidence that the Brigitte Schenk Gallery in Cologne is hosting an exhibition of Klaus Fritze's work this summer, starting on 29 June.


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Es gibt nur sehr wenige Künstler*innen, deren Werk einen intensiven Wissenschaftsbezug hat. Unter diesen ist Klaus Fritze ein herausragender Vertreter für die Verknüpfung von Forschung und künstlerischem Ansatz.
Sein besonderes Interesse gilt der Biologie, respektive den Pflanzen. Dabei ist die Systematik seiner Vorgehensweise genauso prägend wie der Zufall, bzw. die Entdeckung von Entwicklungen und Konstellationen.
Sein Atelier ist ein besonderes Beispiel für das geordnete Chaos, welches vielen Kreativen als Rückzugsort für ihr Denken und Wirken dient: ein elementarer Kosmos visueller und geistiger Inspiration.
Für die MOUNTAINVIEW Gallery wurde das Atelier von Klaus Fritze als Momentaufnahme in einem 360° Rundblick fotografisch festgehalten - und anschließend mehrteilig in die Fläche geklappt. Gewiss, diese gefächerte Darstellung kann nur ansatzweise die Kombination aus Versuchslabor und Inspirationsort wiedergeben. Anders als z.B. bei einem Maler gibt es keine Farben und Leinwände, sondern Pflanzen, Eis-Schirmchen, Postkarten, Schubladenmagazine, Reagenzgläser etc. und einen Ruhebereich, der dem Arbeitstisch des daran arbeitenden Künstlers vis-a-vis gelegen ist. Doch wer ist die andere Person im Bild?

Es ist eine glückliche Fügung, dass die Galerie Brigitte Schenk in diesem Sommer eine Ausstellung mit Arbeiten von Klaus Fritze einrichtet, ab dem 29. Juni. 

Nazgol Majlessi

Jochen Heufelder

Assistant: Simon Müller

June 1st - June 30

#digitalcapturesofanaloguecameras ... shows analogue cameras, digitally photographed, on Instagram.
The respective hashtags provide precise information on the camera shown, its name and manufacturers, its year of production, its shooting format and weight, as well as a few (old-fashioned from today's perspective) tips on photographic practice. In this way, this work forms an archive of analogue apparatuses that are increasingly being forgotten, but gain new visibility every Tuesday with an Instagram post. Photographed in the studio and with appropriate lighting, the cameras here are given a stage of their own representation - similar to those representative photographs they themselves took in times past. For a brief moment, they show themselves to the general public in the Instagram feed, only to disappear in the abundance of photographic images on Instagram and remain only as square archivists.

The entire project can be found on Instagram since 2019 under the hashtag #digitalcapturesofanaloguecameras and the profile @heidipfohl. It will be expanded by one camera every Tuesday.


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Jochen Heufelder

Nazgol Majlessi

Assistant: Simon Müller

Hamza Ben Rachad Unwanted Skin

In his series 'Unwanted Skin', the young photo artist Hamza Ben Rachad addresses the overflowing use of plastic in his home country Morocco. His portraits here are visibly marked by unrestrained consumption and many leftover products. These take on the character of a second skin in Ben Rachad's productions. Irony and exaggeration are stylistic devices and convey the message to put a stop to it all. Only the goldfish remains in its - cramped - element.......

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Hamza Ben Rachad Unwanted Skin

Der junge Fotokünstler Hamza Ben Rachad thematisiert in seiner Reihe ‘Unwanted Skin‘ die überbordende Verwendung von Plastik in seinem Heimatland Marokko. Seine Portraitierten hier sind sichtbar Geprägte eines ungebremsten Konsums und vieler Restprodukte. Diese bekommen den Charakter einer zweiten Haut in den Inszenierungen Ben Rachads. Ironie und Übertreibung sind Stilmittel und Transporteure der Botschaft, dem Ganzen Einhalt zu gebieten. Nur der Goldfisch bleibt in seinem – beengten – Element…….

Hamza Ben Rachad is a Morokkan fotographer.

Curator of this presentation in Madiha Sebbani, Moroccan artist and curator, in cooperation with Nazgol Majlessi, curatorial manager at MOUNTAINVIEW Gallery.

David Ostrowski shows a nine-part realisation of the writing 'NOTHING HAPPENED', which he uses again and again in different forms and media.

Obviously, it is a still from a video, or a monitor presentation, an excerpt.  Movement is present several times. Once through the offset of the two rows of text, but also through the distortions at the upper edge of the writing. In addition, this form of cropping - only half of the lower line is shown - suggests a vertical movement anyway.

Conclusion: Movement was present, the current formal arrangement transports this impression further. Image and content are in clear contradiction to each other.

The ground, better background(?), also creates a latent movement on the surface through its square pixels in different shades of grey. This restless dynamic is intensified as one passes through the nine-part presentation. However, for the viewer pausing in front of the work, everything remains in a frozen state, only a slight restlessness remains. This is the view from across the street. Up close, on the other hand, the lettering and background appear to be composed, statically set.

To experience this requires a physical presence of the viewer - on site.

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David Ostrowski zeigt eine neunteilige Umsetzung des Schriftzuges ‘NOTHING HAPPENED‘, den er in unterschiedlichen Formen und Medien immer wieder nutzt.

Offensichtlich handelt es sich um ein Still aus einem Video, bzw. einer Monitorpräsentation, einen Ausschnitt.  Bewegung ist mehrfach vorhanden. Einmal durch den Versatz der beiden Textreihen, aber auch durch die Verzerrungen am oberen Rand der Schrift. Zudem suggeriert diese Form von Anschnitt – die untere Zeile ist nur hälftig abgebildet – ohnehin eine Vertikalbewegung.

Fazit: Bewegung war vorhanden, die aktuelle formale Anordnung transportiert diesen Eindruck weiter. Bild und Inhalt stehen in einem deutlichen Widerspruch zueinander.

Auch der Untergrund, besser Hintergrund(?), erzeugt durch seine quadratischen Pixel in unterschiedlichen Grautönen eine latente Bewegung auf der Fläche. Diese unruhige Dynamik wird beim Passieren der neunteiligen Präsentation verstärkt. Jedoch für den vor der Arbeit verharrenden Betrachter bleibt alles in erstarrtem Zustand, lediglich eine leichte Unruhe bleibt. Dies ist dies Sicht von der anderen Straßenseite her. Aus der Nähe hingegen wirken Schrift und Untergrund gefügt, statisch gesetzt.

Dies zu erleben setzt eine physische Präsenz des Betrachters voraus - vor Ort.

David Ostrowski (*1981, Köln, Deutschland) lebt und arbeitet in Köln. Er hat an der Kunstakademie Düsseldorf bei Albert Oehlen studiert und ist mit dem Atelierstipendium Kölnischer Kunstverein und Imhoff-Stiftung ausgezeichnet worden. Einzelausstellungen umfassen u. a. Spazio ORR, Brescia (mit Magnus Frederik Clausen) und Sprüth Magers, Berlin (2021); Avant-Garde Institute, Warschau (mit Tobias Spichtig); Jir Sandel, Kopenhagen und Leeahn Gallery, Seoul (alle 2020); Sundogs, Paris und Piece Unique, Köln (beide 2019); Sprüth Magers, London (2018); Halle 9 Kirowwerk, Leipzig und Stiftung Blueproject, Barcelona (beide 2017); Leopold-Hoesch-Museum, Düren mit Michail Pirgelis (2016); ARKEN Museum of Modern Art, Kopenhagen und Kunstraum Innsbruck (beide 2015); Rubell Family Collection, Miami und Fondazione Sandretto Re Rebaudengo, Turin (beide 2014). Ausgewählte Gruppenausstellungen sind u.a. Akademie der Künste Berlin (2021); Triest, New York; Gewölbe, Köln und Galerie Bärbel Grässlin, Frankfurt; Pio Pico, Los Angeles (alle 2020); Galerie Bernhard, Zürich; DuMont Kunsthalle, Köln und Braunsfelder, Köln (alle 2019); Aishti Foundation, Beirut (2018; Museum of Modern Art, Gunma (2017); M Woods Museum, Peking (2015); Halle für Kunst & Medien, Graz und Institute of Contemporary Arts, London (beide 2014).

Jochen Heufelder

Nazgol Majlessi

FUHRWERKSWAAGE Kunstraum e.V.

Stiftung Kunstfonds

NeuStartKultur

Lars Kreyssig: 'Translating the Becher Houses'.

Eng

In art, afterimages are works that refer to already existing works by other artists. Marcel Duchamp's masculinisation of the Mona Lisa is a widely known example of this. Lars Kreyssig's half-timbered house drawings are also part of the category of after-images, since they are based on photographs by Bernd and Hilla Becher. The series title: 'Translating the Becher Houses' confirms this classification.

The half-timbered house typologies from the Siegerland, created by the photographer couple at the beginning of the second half of the 20th century, are 'quoted' by Kreyssig in drawings. Each sheet, format about A4, has meticulously drawn lines. The ruler must have been a constant assistant to the pencil at work, an elementary aid to the naturally rather clumsy human hand in drawing straight lines. All the drawings are characterised by precision, inaccuracies are not discernible.

The high magnification of the illustrations in the exhibition, on the other hand, makes minimal deviations from the ideal line visible. The line management is also clearly recognisable. New beginnings of lines after setting down as well as fluctuations in the intensity of the stroke due to changing hand pressure are recognisable. It is actually only in the enlargement that the carefully made drawing becomes identifiable as such - through normal fluctuations of manual production. It is not without a certain paradox that it is precisely the digital intermediate step to enlargement that increases the liveliness. The close-up view directly in front of the banners, i.e. on the western side of Bergstrasse, makes it possible to decipher the details and thus identify them as hand drawings. From the opposite, eastern side of the street, on the other hand, the motifs look like computer-generated graphics with the greater distance.

From here, there is also a panoramic view of the eight-part exhibition, combined with an offer to compare the different architectures of a system, especially the respective stud frame. In the juxtaposition, differences are recognisable, but also constructive similarities. In his rendering of the half-timbered houses, Lars Kreyssig concentrates on the static elements, the visible beam construction - a commonality with the Bechers' interests. In contrast to photography, however, he translates with the means of drawing and focuses more strongly on the architectural construction elements through further abstraction.  The timbering, for example, the space between the black beams, is not drawn, so it is not graphically present. Only the viewer's knowledge of half-timbered houses, in combination with the white of the drawing paper, simulates the impression of filled space in between.

Through the graphic reduction to the framework - sometimes supplemented by a few window and door elements - the artist basically negates the photographically documented house. No surroundings, no decorative accessories as in the Bechers' photographs, no 'traces of use', everything animating is omitted. Kreyssig's drawings have more the character of lost construction drawings by the builders. The chronology, the existing half-timbered house and the photographic documentation of the Bechers, is preceded by the artist's drawing, comparable to a find from the planning phase of the buildings. In this way, he actually takes a leap backwards in time.

But perhaps the artist also animates a leap forward in time with his drawings - detached from the Becher photographs. Many a half-timbered house was plastered or 'refined' with plastic bricks decades ago. Some of these façades have weathered over the years. The spirit of the times has also changed; the half-timbered house and the materials used back then are currently experiencing an aesthetic and ecological renaissance in equal measure. With his concentrated drawings, is Kreyssig possibly triggering an impulse among the owners of such (still) clad half-timbered houses to make the original skeleton construction visible again? In this way, his drawings of the Becher houses are being re-translated - as a multiple stimulus.

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D

Unter Nachbildern versteht man in der Kunst Arbeiten, die sich auf bereits existierende Werke anderer Künstler*innen beziehen. Marcel Duchamps Maskulinisierung der Mona Lisa ist ein weithin bekanntes Beispiel hierfür. Lars Kreyssigs Fachwerkhaus-Zeichnungen fallen ebenso unter die Kategorie Nachbilder, basieren sie doch auf Photographien von Bernd und Hilla Becher. Der Reihentitel: ‘Translating the Becher houses‘ unterstützt diese Zuordnung.

Die Fachwerkhaus-Typologien aus dem Siegerland, vom Photo­gra­phen­paar zu Beginn der 2. Hälfte des 20. Jahrhunderts angelegt, werden von Kreyssig zeichnerisch ‘zitiert‘. Jedes Blatt, Format etwa A4, weist akribisch gezogene Linien auf. Das Lineal muss ein konstanter Assistent des Stifts bei der Arbeit gewesen sein, elementare Hilfe für die von Natur aus eher ungelenke menschliche Hand beim Zeichnen gerader Linien. Alle Zeichnungen sind geprägt von Präzision, Ungenauigkeiten nicht erkennbar.

Die starke Vergrößerung der Abbildungen der Ausstellung hingegen machen minimale Abweichungen von der Ideallinie sichtbar. Deutlich erkennbar wird auch die Strichführung. Neuansätze von Linien nach einem Absetzen wie auch Intensitätsschwankungen des Striches aufgrund wechselnden Handdrucks sind erkennbar. Eigentlich erst in der Vergrößerung wird die sorgfältig angefertigte Zeichnung als solche identifizierbar – durch normale Schwankungen manueller Herstellung. Es entbehrt nicht einer gewissen Paradoxie, dass gerade der digitale Zwischenschritt zur Vergrößerung die Lebendigkeit steigert. Die Nahsicht unmittelbar vor den Bannern, also auf der westlichen Seite der Bergstrasse, ermöglicht ein Entziffern der Details und somit die Identifizierung als Handzeichnung. Von der gegenüberliegen östlichen Straßenseite hingegen wirken die Motive mit dem größeren Abstand wie computergenerierte Graphiken.

Von hier bietet sich zudem eine panoramartige Sicht auf die achtteilige Ausstellung, verbunden mit einem Angebot zum Vergleich der unterschiedlichen Architekturen eines Systems, insbesondere des jeweiligen Ständerwerks. Im Nebeneinander sind Unterschiede erkennbar, aber auch konstruktive Gemeinsamkeiten. Lars Kreyssig konzentriert sich in seiner Wiedergabe der Fachwerkhäuser auf die statischen Elemente, die sichtbare Balkenkonstruk­tion - eine Gemeinsamkeit mit den Interessen der Bechers. Im Unterschied zur Photographie jedoch übersetzt er mit dem Mittel der Zeichnung und fokussiert durch weitere Abstraktion stärker auf die architektonischen Konstruktionselemente.  Die Gefachung z.B., der Raum zwischen den schwarzen Balken, ist nicht gezeichnet, graphisch also nicht vorhanden. Alleine des Betrachters Kenntnis von Fachwerkhäusern, in Kombination mit dem Weiß des Zeichenpapiers, simuliert den Eindruck gefüllten Zwischenraumes.

Durch die graphische Reduktion auf das Ständerwerk – mitunter ergänzt um einige Fenster- und Türelemente – negiert der Künstler im Grunde das photographisch dokumentierte Haus. Keine Umgebung, kein schmückendes Beiwerk wie auf den Photographien der Bechers, keine ‘Gebrauchs­spuren‘, alles Belebende ist weggelassen. Kreyssigs Zeichnungen haben eher den Charakter verschollener Konstruktionszeich­nungen der Erbauer. Der Chronologie, vorhandenes Fachwerkhaus und photographische Dokumentation der Bechers, stellt der Künstler seine Zeichnung allem noch voran, vergleichbar einem Fundstück aus der Planungsphase der Bauten. Somit vollzieht er eigentlich einen Zeitsprung rückwärts.

Vielleicht aber animiert der Künstler mit seinen Zeichnungen auch einen Zeitsprung vorwärts – losgelöst von den Becher-Photographien. Manches Fachwerkhaus wurde vor Jahrzehnten verputzt oder mit Kunststoffklinkern ’veredelt‘. Einige dieser vorgesetzten Fassaden sind über die Jahre verwittert. Auch hat sich der Zeitgeist geändert, das Fachwerk und die damals verwendeten Materialien erleben gerade eine ästhetische und ökologische Renaissance gleichermaßen. Löst Kreyssig mit seinen konzentrierten Zeichnungen bei den Eignern derartig (noch) verkleideter Fachwerkhäuser möglicherweise einen Impuls aus, den ursprünglichen Skelettbau wieder sichtbar zu machen? Damit erführen seine Zeichnungen zu den Becher-Häusern eine Neu-Übersetzung - als multiple Anregung.    

Lars Kreyssig

www.larskreyssig.com

*1981 in Leipzig Education

2004 – 2007 Academy of Media Art Cologne, Germany
MA in Audiovisual Media (Photography & Film). Grade: first, with distinction.

2002 – 2004 Baden-Württemberg Film Academy, Germany BA in Film Directing. 2001 – 2002 European Film College, Denmark

Exhibitions (selected)

2020
-Art Matters 2 (honorable mention) at Gallery Biesenbach, Cologne, Germany

2019
-Artpiq-Showroom, Anna Klinkhammer Gallery, Düsseldorf, Germany

2018
-Die GROSSE Kunstausstellung NRW, Düsseldorf, Germany

2015
-mumok, Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, Vienna (A)
-„Carte Blanche“, Representation of North Rhine Westphalia to the European Union, Brussels (B)

Awards (selected)

2015
-Nominated for the Walter Koschatzky art prize 2015, Vienna (A)

2012
-Grant of the German foundation VG BILD-KUNST

2011
-Highly recommend at the European Architectural Photography Prize

2008
-BMW Short Film Award for best German short film for „Brother, Brother“
-Special mention at Brno 16 Film festival, Czech Republic for „Brother, Brother“ -Young Talents Award by the Thuringia Ministry of Construction, Transport and Media

Nazgol Majlessi

FUHRWERKSWAAGE Kunstraum e.V.

Stiftung Kunstfonds

NeuStartKultur

vimeo.com/532305066

Masked? Maskiert? Masqué? مقنع؟    نقاب دار؟

Eng

The protection of the mouth and nose, which we call a 'mask', is currently a defining element of public life, and the wearing of this partial covering of the face is even officially prescribed. In contrast, masks are worn voluntarily at carnival - in a wide variety and according to the actual meaning of the word mask, which comes from Arabic:  Fool, joke, farce. Generally, however, a mask is understood to be a face covering that conceals the identity of the wearer.

Younger artists are increasingly using masks in their works, among other things to attract attention by concealing them or to question facts and constellations.

The artist Mous Lamrabat (Belgium) uses everyday objects to combine them into helmet-like mask forms. For example, the well-known IKEA bag strap, which is wrapped around the head in this way, leaving only the eye area free. Everyone knows this blue and yellow logo! Hasn't IKEA with its interior long since become a broadly defining part of our furnishing culture? NIKE, on the other hand, is a very sought-after label - regardless of the item. Several leather belts of this brand were combined by the artist to form a helmet-like mask, leaving only a viewing slit. With the wrapping method, the artist cites a form of headgear common in the Arab world, e.g. the turban. While the latter still offers protection from the sun, the wearer of Lamrabat's helmet masks is extremely constricted. On the one hand, his photos present accessories in an unusual way. At the same time, however, they visualise the withdrawal of individuality through excessive consumption.

Photographer Jila Mokhtari (Iran) shows women, who particularly emphasise the eye slit of their full-face veil, a form common in the south of Iran. In addition to the very strikingly coloured fabrics of their clothing, they also decorate the visual area and deliberately draw attention to the eyes. The religiously conditioned covering of the body and the associated reduction of identity is reversed in the choice of 'masks'. Their rich ornamentation in turn creates a proud identity known only to a few 'insiders'. These masks clearly highlight the carefully made-up eyes through shape and colour.  A strong partial individualisation in contrast to the de-individualisation of the body in its veiling.

Madiha Sebbani (Morocco) worked on her two copper masks in her home country, in the city of Fez. The large-scale mask with its countless, densely arranged, honeycomb-like openings allows the viewer to guess the features of the wearer's face. She, in turn, recognises her counterpart far better from the inside, due to the short distance to the grille. This physical phenomenon is well known - and a side effect of the architecture in the interior of mosques, when separating the sexes. The second mask also has an architectural reference in its basic form, resembling a closed building with an unmistakably religious character. However, the surface of this mask has far fewer openings and these are exclusively at eye level. In contrast to the first mask, the wearer's facial features remain completely hidden. Is the full-face veil being quoted here - and possibly also commented on?

Mask or not? This question arises in particular in the works of the two artists Shokoufeh Eftekhar and Naghmeh Jafari Firouzbadi (Iran). Their actors wear a wide belt around their heads that completely hides the mouth. It is held by a band running across the forehead and the top of the head, which is connected to the belt again at the nape of the neck. The partly elaborately decorated surface of the belt, which closes the mouth, is worth noting. Obviously, silence is the theme here - or rather 'not speaking'? With their work, the two artists thematise the widespread inner censorship. People remain silent and keep their opinions to themselves - so as not to suffer any disadvantages. The individual subordinates himself to the general guidelines. With this device, not unlike a 'bridle' (scold's bridle), people (mainly women) were already silenced in England in the 17th century - as a punishment.

Masks here are artefacts to focus on states and circumstances, not primarily to slip into another role. Instead, all the artists load their 'masks' with special content, address social constellations, even restrictions, and make people aware of them. In doing so, they make use of the common principle: making visible through concealment. And this although, or precisely because, they all come from countries where the mask (for women) is a matter of course in everyday life. The overriding question: masked? is not only to be evaluated according to the degree of veiling, here aspects of content dominate. The rather cheerful connotation of the original meaning has fallen by the wayside anyway.

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Der bei uns als ’Maske’ bezeichnete Mund- und Nasenschutz ist derzeit prägender Bestandteil des öffentlichen Lebens, das Tragen dieser Teilbe­deckung des Gesichtes sogar amtlich verordnet. Im Gegensatz dazu werden an Karneval Masken höchst freiwillig getragen – in einer großen Varianz und entsprechend der eigentlichen Bedeutung des aus dem Arabischen stammenden Wortes Maske:  Narr, Scherz, Posse. Allgemein versteht man unter einer Maske jedoch eine Gesichtsbedeckung, die die Identität des Trägers verschleiert.

Verstärkt setzen jüngere Künstler*innen Masken in ihren Arbeiten ein, u.a. um gerade durch das Verdecken Aufmerksamkeit zu erzeugen, bzw. Sachverhalte und Konstellationen zu hinterfragen.

Der Künstler Mous Lamrabat (Belgien) nutzt Alltagsgegen­stände, um sie zu helmartigen Maskenformen zu kombinieren. Zum Beispiel das allseits bekannte IKEA-Taschen-Trageband, welches derart um den Kopf gewickelt lediglich die Augenpartie frei lässt. Wer kennt nicht dieses blau-gelbe Logo? Ist IKEA mit seinem Interieur nicht längst auch ein in der Breite prägender Teil unserer Einrichtungskultur geworden? NIKE wiederum ist ein sehr begehrtes Label – unabhängig vom Gegen­stand. Mehrere Ledergürtel dieser Marke wurden vom Künstler zu einer helmartigen Maske kombiniert, nur ein Blickschlitz blieb frei. Mit der Wickelmethode zitiert der Künstler eine in der arabischen Welt verbrei­tete Form von Kopfbedeckungen, z.B. den Turban. Bietet dieser noch Schutz vor der Sonne, wird der Träger von Lamrabats Helm-Masken extrem eingeengt. Seine Fotos präsentieren einerseits Accessoires auf eine ungewöhnliche Weise. Gleichzeitig jedoch visualisieren sie den Entzug von Individualität durch einen überbordenden Konsum.

Die Fotografin Jila Mokhtari (Iran) zeigt Frauen, die gerade den Augenschlitz ihrer Vollverschleierung besonders betonen, eine im Süden des Iran verbreitete Form. Zusätzlich zu den farblich sehr auffälligen Stoffen ihrer Kleidung schmücken sie auch den Sehbereich und lenken ganz bewusst die Aufmerksam­keit auf die Augen. Die religiös bedingte Verhüllung des Körpers und die damit verbundene Reduzierung der Identität erfährt eine Umkehr in der Auswahl der vorgesetzten ‘Masken‘. Ihre reiche Verzierung erzeugt wiederum eine stolze Identität, die nur wenigen ‘Eingeweihten‘ bekannt ist. Diese Masken heben die sorgfältig geschminkten Augen durch Form und Farbe deutlich hervor.  Eine starke partielle Individualisierung im Kontrast zur Entindividualisierung des Körpers in seiner Verhüllung.

Madiha Sebbani (Marokko) hat ihre beiden Kupfermasken in ihrem Heimatland gearbeitet, in der Stadt Fez. Die großflächige Maske mit ihren unzähligen, dicht angeordneten, wabenartigen Öffnungen ermöglicht dem Betrachter die Gesichts­züge der Trägerin zu erahnen. Sie wiederum erkennt von innen die jeweiligen Gegenüber weit besser, durch die kurze Distanz zum Gitter. Dieses physikalische Phänomen ist bekannt – und ein Nebeneffekt der Architektur im Innenraum von Moscheen bei der Geschlechtertrennung. Die zweite Maske hat in ihrer Grundform ebenfalls einen architektonischen Bezug, ähnelt sie doch einem geschlossenen Gebäude mit unübersehbar religiösem Charakter. Dabei ist die Oberfläche dieser Maske mit weit weniger Öffnungen besetzt und diese ausschließlich in Augenhöhe. Im Gegensatz zur ersten Maske bleiben hier die Gesichtszüge der Trägerin völlig verborgen. Wird hier die Vollverschleierung zitiert – und ggf. auch kommentiert?

Maske oder nicht? Diese Frage stellt sich insbesondere bei den Arbeiten der beiden Künstlerinnen Shokoufeh Eftekhar und Naghmeh Jafari Firouzbadi (Iran). Ihre Akteure tragen einen die Mundpartie völlig verdeckenden breiten Gurt um den Kopf. Er wird gehalten von einem über Stirn und Oberkopf verlau­fenden Band, welches im Nacken wieder mit dem Gurt verbunden ist. Bemer­kens­wert ist die z.T. aufwändig geschmückte Oberfläche des Gurtes, der den Mund verschließt. Offensichtlich wird hier Schweigen thematisiert – oder doch besser das‘ nicht Reden‘? Die beiden Künstlerinnen thematisieren mit ihrer Arbeit die weit verbreitete innere Zensur. Man schweigt und behält seine Meinung für sich - um keine Nachteile zu erfahren. Das Individuum ordnet sich den allgemeinen Vorgaben unter. Mit dieser, einem ’Zaumzeug‘ nicht unähn­lichen Vorrichtung (scold’s bridle), wurden bereits im England des 17. Jahrhun­derts Menschen (vorwiegend Frauen) zum Schweigen gebracht - als Strafe.

Masken sind hier Artefakte um auf Zustände und Sachverhalte zu fokussieren, also nicht in erster Linie um in eine andere Rolle zu schlüpfen. Stattdessen laden alle Künstler*innen ihre ‘Masken‘ mit besonderen Inhalten auf, thematisieren gesellschaftliche Konstellationen, auch Beschränkungen, machen bewusst. Dabei bedienen sie sich des gängigen Prinzips: Sichtbar machen durch Verhüllung. Und das obwohl, oder gerade weil sie alle aus Ländern stammen, in denen die Maske (bei Frauen) selbstverständlicher Alltag ist. Die übergeord­nete Frage: maskiert? ist nicht nur nach dem Grad der Verhüllung zu bewerten, hier dominieren inhaltliche Aspekte. Die eher heitere Konnotation der Ursprungsbedeutung ist ohnehin auf der Strecke geblieben.

Jila Mokhtari

*1982, Iran

Education

2015-2016      Photography post-production Diploma, Madrid, Spain

2013-2015      Photography Diploma, San Sebastian, Spain

2012-2013      Photography and Art History Studies, Tehran, Iran

2000-2015      Material Engineering (Ceramics), Saveh, Iran

Solo Exhibitions

2018                Shirin Art Gallery, Tehran, Iran

2017                San Sebastian Cultural Center, San Sebastian, Spain

2016                Lazkao Cultural Center, Lazkao, Spain

2016                Beasain Cultural Center, Beasain, Spain

2015                Iranian Anuual Portrait Exhibition, Tehran, Iran

Mous Lamrabat
*1983 Amazigh Village, Morocco

Currently lives and works in Brussels, Belgium

Group Shows
2021 Loft Art Gallery at 1-54 Paris, Loft Art Gallery, Paris
2020 Just Pictures curated by Antwaun Sargent, projects+gallery, St. Louis 2019 AKAA - 2019, Galerie Number 8, Paris

UN:INVITED hosted by SOMETHING WE AFRICAN GOT, Galerie Number 8, Arles WE ARE HANDSOME, Galerie Number 8, Arles

Art Fair Booths
2021 Loft Art Gallery at 1-54 Paris 2021, Loft Art Gallery
2020 Galerie Number 8 at Photo London 2020, Galerie Number 8

Galerie Number 8 at 1-54 London 2020, Galerie Number 8

Madiha Sebbani

*1991 Salé, Morocco

Currently lives and works in London, United Kingdom

2020    Global Arts and Cultural Talent Visa for research and practice in the United Kingdom

2019    Public Art and New Artistic Strategies Masters Degree, Bauhaus University, Germany

2015    Graduation as multidisciplinary artist, National Institute for Fine Arts, Tétouan

Solo Exhibitions

2021    ESCAP3 Gallery (March 2021), Cape Town, South Africa

2017    Silent Treatment, FUHRWERKSWAAGE, Cologne, Germany

2016    Five performances at the FUHRWERKSWAAGE booth, COFA,

            Cologne International Fine Arts Fair 2016, Cologne, Germany

Group Exhibitions

2020    Misk Art Week, Riyadh, Saudi-Arabia

2020    „Imprint“, Misk Art Institute, Prince Faisal Bin Fahad Gallery , Riyadh, Saudi-Arabia

2019    Marrakesh Group Show, Belkahia Foundation with Hassan Hajjaj, Morocco

2019    Young Moroccan Artists Show, KFW-DEG Bank of Investment, Cologne, Germany

2019    Young Moroccan Artists Show, Sulger-Buel Gallery; London, UK

2018    Destinées Exhibition, Gallery MAKKI MGHARA, Tetouan

2018    „un oeil ouvert sur le monde arabe“ in Paris, Institut of the Arab World, France

2018    Comptoire des mines-Gallery with Hassan Hajjaj, carte blanche MCSC in Marrakesch

2017    Festival of International Art Video (FIAV), Casablanca, Morocco

2016    Collective exhibition at Ballroom Gallery, Baltimore, USA

Residences

2019/20  Artist in residence in Krems, AIR of lower Austria, Austria

2017        Artist in residence, Takafes and dar 7 laouyat cooperation, Fez, Morocco

2017        International Artist’s gathering, Contemporary Art Panel, Fez, Morocco

2016        Artist in residence, FUHRWERKSWAAGE, Cologne, Germany

2015        “Green Olive Art”-Workshop, Tétouan

Shokoufeh Eftekhar:

*2000 Karaj, Iran

Currently lives and works in Essen, Germany

Education

2020-today     Photographie and media art at HBK Essen

2015-2019      Graphic Design Studies at Marefat Konservatorium, Iran

Exhibitions (selection)

2020    „Nomades at Home“ Notes, Berlin, Germany

2019    „The lies that makes us voiceless“ University of Manitoba, Winnipeg, Canada

2018    „The world with art“ Intern Art Gallery, Rom, Italy

2018    „Hidden“ Marefat Art Gallery, Tehran, Iran

2017    „Emotions“ Pashmin Art Gallery, Hamburg, Germany

Naghmeh Jafari Firouzabadi

*1991 Iran

Currently lives and works in Toronto, Canada

Education

2017-2019      Master of Fine Art, University of Manitoba - School of Art, Manitoba, Canada

2010-2010      Bachelor’s Degree of Graphic Design, Store University, Tehran, Iran

Exhibitions

2019    „All Iranian Women“ exhibition, School of Art Student Gallery, University of Manitoba, Canada                   

            Collaborated with Iranian female artist to address the gender inequality and lack of women rights in Iran. Performed 24 hours of isolation as a simulation of political prisoners’ experience.

2019   „The lies That Make Us Voiceless“ exhibition, School of Art Student Gallery,

            University of Manitoba, Canada

            Depicted people’s experiences through creations in photography, visual arts, and                      short videos. Planned scenarios using different backgrounds and props according to artistic requirements to create life reflectingphotographs.

2018    „The Familiar“ exhibition, School of Art Student Gallery, University of Manitoba, Canada

            Collaborated with Master’s student of school of art, photography installation.

2016    „Hands and Thrones“, Golestan Complex, Iran

            Exhibited series of personally-taken and made photographs on women’s various experiences

Nazgol Majlessi

Jochen Heufelder

FUHRWERKSWAAGE Kunstraum e.V.

Stifung Kunstfonds

NeuStartKultur

https://vimeo.com/506865541