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# 3 - Translating the Becher Houses by Lars Kreyssig

1.3. - 31.3.2021

© Bozica Babic

Lars Kreyssig: 'Translating the Becher Houses'.

Eng


In art, afterimages are works that refer to already existing works by other artists. Marcel Duchamp's masculinisation of the Mona Lisa is a widely known example of this. Lars Kreyssig's half-timbered house drawings are also part of the category of after-images, since they are based on photographs by Bernd and Hilla Becher. The series title: 'Translating the Becher Houses' confirms this classification.

The half-timbered house typologies from the Siegerland, created by the photographer couple at the beginning of the second half of the 20th century, are 'quoted' by Kreyssig in drawings. Each sheet, format about A4, has meticulously drawn lines. The ruler must have been a constant assistant to the pencil at work, an elementary aid to the naturally rather clumsy human hand in drawing straight lines. All the drawings are characterised by precision, inaccuracies are not discernible.

The high magnification of the illustrations in the exhibition, on the other hand, makes minimal deviations from the ideal line visible. The line management is also clearly recognisable. New beginnings of lines after setting down as well as fluctuations in the intensity of the stroke due to changing hand pressure are recognisable. It is actually only in the enlargement that the carefully made drawing becomes identifiable as such - through normal fluctuations of manual production. It is not without a certain paradox that it is precisely the digital intermediate step to enlargement that increases the liveliness. The close-up view directly in front of the banners, i.e. on the western side of Bergstrasse, makes it possible to decipher the details and thus identify them as hand drawings. From the opposite, eastern side of the street, on the other hand, the motifs look like computer-generated graphics with the greater distance.

From here, there is also a panoramic view of the eight-part exhibition, combined with an offer to compare the different architectures of a system, especially the respective stud frame. In the juxtaposition, differences are recognisable, but also constructive similarities. In his rendering of the half-timbered houses, Lars Kreyssig concentrates on the static elements, the visible beam construction - a commonality with the Bechers' interests. In contrast to photography, however, he translates with the means of drawing and focuses more strongly on the architectural construction elements through further abstraction.  The timbering, for example, the space between the black beams, is not drawn, so it is not graphically present. Only the viewer's knowledge of half-timbered houses, in combination with the white of the drawing paper, simulates the impression of filled space in between.

Through the graphic reduction to the framework - sometimes supplemented by a few window and door elements - the artist basically negates the photographically documented house. No surroundings, no decorative accessories as in the Bechers' photographs, no 'traces of use', everything animating is omitted. Kreyssig's drawings have more the character of lost construction drawings by the builders. The chronology, the existing half-timbered house and the photographic documentation of the Bechers, is preceded by the artist's drawing, comparable to a find from the planning phase of the buildings. In this way, he actually takes a leap backwards in time.

But perhaps the artist also animates a leap forward in time with his drawings - detached from the Becher photographs. Many a half-timbered house was plastered or 'refined' with plastic bricks decades ago. Some of these façades have weathered over the years. The spirit of the times has also changed; the half-timbered house and the materials used back then are currently experiencing an aesthetic and ecological renaissance in equal measure. With his concentrated drawings, is Kreyssig possibly triggering an impulse among the owners of such (still) clad half-timbered houses to make the original skeleton construction visible again? In this way, his drawings of the Becher houses are being re-translated - as a multiple stimulus.

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D

 

Unter Nachbildern versteht man in der Kunst Arbeiten, die sich auf bereits existierende Werke anderer Künstler*innen beziehen. Marcel Duchamps Maskulinisierung der Mona Lisa ist ein weithin bekanntes Beispiel hierfür. Lars Kreyssigs Fachwerkhaus-Zeichnungen fallen ebenso unter die Kategorie Nachbilder, basieren sie doch auf Photographien von Bernd und Hilla Becher. Der Reihentitel: ‘Translating the Becher houses‘ unterstützt diese Zuordnung.

Die Fachwerkhaus-Typologien aus dem Siegerland, vom Photo­gra­phen­paar zu Beginn der 2. Hälfte des 20. Jahrhunderts angelegt, werden von Kreyssig zeichnerisch ‘zitiert‘. Jedes Blatt, Format etwa A4, weist akribisch gezogene Linien auf. Das Lineal muss ein konstanter Assistent des Stifts bei der Arbeit gewesen sein, elementare Hilfe für die von Natur aus eher ungelenke menschliche Hand beim Zeichnen gerader Linien. Alle Zeichnungen sind geprägt von Präzision, Ungenauigkeiten nicht erkennbar.

Die starke Vergrößerung der Abbildungen der Ausstellung hingegen machen minimale Abweichungen von der Ideallinie sichtbar. Deutlich erkennbar wird auch die Strichführung. Neuansätze von Linien nach einem Absetzen wie auch Intensitätsschwankungen des Striches aufgrund wechselnden Handdrucks sind erkennbar. Eigentlich erst in der Vergrößerung wird die sorgfältig angefertigte Zeichnung als solche identifizierbar – durch normale Schwankungen manueller Herstellung. Es entbehrt nicht einer gewissen Paradoxie, dass gerade der digitale Zwischenschritt zur Vergrößerung die Lebendigkeit steigert. Die Nahsicht unmittelbar vor den Bannern, also auf der westlichen Seite der Bergstrasse, ermöglicht ein Entziffern der Details und somit die Identifizierung als Handzeichnung. Von der gegenüberliegen östlichen Straßenseite hingegen wirken die Motive mit dem größeren Abstand wie computergenerierte Graphiken.

Von hier bietet sich zudem eine panoramartige Sicht auf die achtteilige Ausstellung, verbunden mit einem Angebot zum Vergleich der unterschiedlichen Architekturen eines Systems, insbesondere des jeweiligen Ständerwerks. Im Nebeneinander sind Unterschiede erkennbar, aber auch konstruktive Gemeinsamkeiten. Lars Kreyssig konzentriert sich in seiner Wiedergabe der Fachwerkhäuser auf die statischen Elemente, die sichtbare Balkenkonstruk­tion - eine Gemeinsamkeit mit den Interessen der Bechers. Im Unterschied zur Photographie jedoch übersetzt er mit dem Mittel der Zeichnung und fokussiert durch weitere Abstraktion stärker auf die architektonischen Konstruktionselemente.  Die Gefachung z.B., der Raum zwischen den schwarzen Balken, ist nicht gezeichnet, graphisch also nicht vorhanden. Alleine des Betrachters Kenntnis von Fachwerkhäusern, in Kombination mit dem Weiß des Zeichenpapiers, simuliert den Eindruck gefüllten Zwischenraumes.

Durch die graphische Reduktion auf das Ständerwerk – mitunter ergänzt um einige Fenster- und Türelemente – negiert der Künstler im Grunde das photographisch dokumentierte Haus. Keine Umgebung, kein schmückendes Beiwerk wie auf den Photographien der Bechers, keine ‘Gebrauchs­spuren‘, alles Belebende ist weggelassen. Kreyssigs Zeichnungen haben eher den Charakter verschollener Konstruktionszeich­nungen der Erbauer. Der Chronologie, vorhandenes Fachwerkhaus und photographische Dokumentation der Bechers, stellt der Künstler seine Zeichnung allem noch voran, vergleichbar einem Fundstück aus der Planungsphase der Bauten. Somit vollzieht er eigentlich einen Zeitsprung rückwärts.

Vielleicht aber animiert der Künstler mit seinen Zeichnungen auch einen Zeitsprung vorwärts – losgelöst von den Becher-Photographien. Manches Fachwerkhaus wurde vor Jahrzehnten verputzt oder mit Kunststoffklinkern ’veredelt‘. Einige dieser vorgesetzten Fassaden sind über die Jahre verwittert. Auch hat sich der Zeitgeist geändert, das Fachwerk und die damals verwendeten Materialien erleben gerade eine ästhetische und ökologische Renaissance gleichermaßen. Löst Kreyssig mit seinen konzentrierten Zeichnungen bei den Eignern derartig (noch) verkleideter Fachwerkhäuser möglicherweise einen Impuls aus, den ursprünglichen Skelettbau wieder sichtbar zu machen? Damit erführen seine Zeichnungen zu den Becher-Häusern eine Neu-Übersetzung - als multiple Anregung.    

Lars Kreyssig

www.larskreyssig.com

*1981 in Leipzig Education

2004 – 2007 Academy of Media Art Cologne, Germany
MA in Audiovisual Media (Photography & Film).
Grade: first, with distinction.

2002 – 2004 Baden-Württemberg Film Academy, Germany BA in Film Directing. 2001 – 2002 European Film College, Denmark

 

Exhibitions (selected)

2020
-Art Matters 2 (honorable mention) at Gallery Biesenbach, Cologne, Germany

2019
-Artpiq-Showroom, Anna Klinkhammer Gallery, Düsseldorf, Germany

2018
-Die GROSSE Kunstausstellung NRW, Düsseldorf, Germany

2015
-mumok, Museum moderner Kunst Stiftung Ludwig Wien, Vienna (A)
-„Carte Blanche“, Representation of North Rhine Westphalia to the European Union, Brussels (B)

 

Awards (selected)

2015
-Nominated for the Walter Koschatzky art prize 2015, Vienna (A)

2012
-Grant of the German foundation VG BILD-KUNST

2011
-Highly recommend at the European Architectural Photography Prize

2008
-BMW Short Film Award for best German short film for „Brother, Brother“
-Special mention at Brno 16 Film festival, Czech Republic for „Brother, Brother“ -Young Talents Award by the Thuringia Ministry of Construction, Transport and Media

 

Nazgol Majlessi

FUHRWERKSWAAGE Kunstraum e.V.

Stiftung Kunstfonds

NeuStartKultur

under construction

Change No 2 ......

From covered faces to uncovered constructions...

© Bozica Babic

# 2 - maskiert?, masked?, masqué?, مقنع؟ نقاب دار؟

Jila Mokhtari - Mous Lamrabat - Madiha Sebbani - Shokoufeh Eftekhar und Naghmeh Jafari Firouzabadi 1.2 - 28.2.2021

© Bozica Babic

Jila Mokhtari - Mous Lamrabat - Madiha Sebbani - Shokoufeh Eftekhar und Naghmeh Jafari Firouzabadi

Masked? Maskiert? Masqué? مقنع؟    نقاب دار؟

Eng

The protection of the mouth and nose, which we call a 'mask', is currently a defining element of public life, and the wearing of this partial covering of the face is even officially prescribed. In contrast, masks are worn voluntarily at carnival - in a wide variety and according to the actual meaning of the word mask, which comes from Arabic:  Fool, joke, farce. Generally, however, a mask is understood to be a face covering that conceals the identity of the wearer.


Younger artists are increasingly using masks in their works, among other things to attract attention by concealing them or to question facts and constellations.

The artist Mous Lamrabat (Belgium) uses everyday objects to combine them into helmet-like mask forms. For example, the well-known IKEA bag strap, which is wrapped around the head in this way, leaving only the eye area free. Everyone knows this blue and yellow logo! Hasn't IKEA with its interior long since become a broadly defining part of our furnishing culture? NIKE, on the other hand, is a very sought-after label - regardless of the item. Several leather belts of this brand were combined by the artist to form a helmet-like mask, leaving only a viewing slit. With the wrapping method, the artist cites a form of headgear common in the Arab world, e.g. the turban. While the latter still offers protection from the sun, the wearer of Lamrabat's helmet masks is extremely constricted. On the one hand, his photos present accessories in an unusual way. At the same time, however, they visualise the withdrawal of individuality through excessive consumption.

Photographer Jila Mokhtari (Iran) shows women, who particularly emphasise the eye slit of their full-face veil, a form common in the south of Iran. In addition to the very strikingly coloured fabrics of their clothing, they also decorate the visual area and deliberately draw attention to the eyes. The religiously conditioned covering of the body and the associated reduction of identity is reversed in the choice of 'masks'. Their rich ornamentation in turn creates a proud identity known only to a few 'insiders'. These masks clearly highlight the carefully made-up eyes through shape and colour.  A strong partial individualisation in contrast to the de-individualisation of the body in its veiling.

Madiha Sebbani (Morocco) worked on her two copper masks in her home country, in the city of Fez. The large-scale mask with its countless, densely arranged, honeycomb-like openings allows the viewer to guess the features of the wearer's face. She, in turn, recognises her counterpart far better from the inside, due to the short distance to the grille. This physical phenomenon is well known - and a side effect of the architecture in the interior of mosques, when separating the sexes. The second mask also has an architectural reference in its basic form, resembling a closed building with an unmistakably religious character. However, the surface of this mask has far fewer openings and these are exclusively at eye level. In contrast to the first mask, the wearer's facial features remain completely hidden. Is the full-face veil being quoted here - and possibly also commented on?

Mask or not? This question arises in particular in the works of the two artists Shokoufeh Eftekhar and Naghmeh Jafari Firouzbadi (Iran). Their actors wear a wide belt around their heads that completely hides the mouth. It is held by a band running across the forehead and the top of the head, which is connected to the belt again at the nape of the neck. The partly elaborately decorated surface of the belt, which closes the mouth, is worth noting. Obviously, silence is the theme here - or rather 'not speaking'? With their work, the two artists thematise the widespread inner censorship. People remain silent and keep their opinions to themselves - so as not to suffer any disadvantages. The individual subordinates himself to the general guidelines. With this device, not unlike a 'bridle' (scold's bridle), people (mainly women) were already silenced in England in the 17th century - as a punishment.

Masks here are artefacts to focus on states and circumstances, not primarily to slip into another role. Instead, all the artists load their 'masks' with special content, address social constellations, even restrictions, and make people aware of them. In doing so, they make use of the common principle: making visible through concealment. And this although, or precisely because, they all come from countries where the mask (for women) is a matter of course in everyday life. The overriding question: masked? is not only to be evaluated according to the degree of veiling, here aspects of content dominate. The rather cheerful connotation of the original meaning has fallen by the wayside anyway.

.......

D

Der bei uns als ’Maske’ bezeichnete Mund- und Nasenschutz ist derzeit prägender Bestandteil des öffentlichen Lebens, das Tragen dieser Teilbe­deckung des Gesichtes sogar amtlich verordnet. Im Gegensatz dazu werden an Karneval Masken höchst freiwillig getragen – in einer großen Varianz und entsprechend der eigentlichen Bedeutung des aus dem Arabischen stammenden Wortes Maske:  Narr, Scherz, Posse. Allgemein versteht man unter einer Maske jedoch eine Gesichtsbedeckung, die die Identität des Trägers verschleiert.

Verstärkt setzen jüngere Künstler*innen Masken in ihren Arbeiten ein, u.a. um gerade durch das Verdecken Aufmerksamkeit zu erzeugen, bzw. Sachverhalte und Konstellationen zu hinterfragen.

Der Künstler Mous Lamrabat (Belgien) nutzt Alltagsgegen­stände, um sie zu helmartigen Maskenformen zu kombinieren. Zum Beispiel das allseits bekannte IKEA-Taschen-Trageband, welches derart um den Kopf gewickelt lediglich die Augenpartie frei lässt. Wer kennt nicht dieses blau-gelbe Logo? Ist IKEA mit seinem Interieur nicht längst auch ein in der Breite prägender Teil unserer Einrichtungskultur geworden? NIKE wiederum ist ein sehr begehrtes Label – unabhängig vom Gegen­stand. Mehrere Ledergürtel dieser Marke wurden vom Künstler zu einer helmartigen Maske kombiniert, nur ein Blickschlitz blieb frei. Mit der Wickelmethode zitiert der Künstler eine in der arabischen Welt verbrei­tete Form von Kopfbedeckungen, z.B. den Turban. Bietet dieser noch Schutz vor der Sonne, wird der Träger von Lamrabats Helm-Masken extrem eingeengt. Seine Fotos präsentieren einerseits Accessoires auf eine ungewöhnliche Weise. Gleichzeitig jedoch visualisieren sie den Entzug von Individualität durch einen überbordenden Konsum.

Die Fotografin Jila Mokhtari (Iran) zeigt Frauen, die gerade den Augenschlitz ihrer Vollverschleierung besonders betonen, eine im Süden des Iran verbreitete Form. Zusätzlich zu den farblich sehr auffälligen Stoffen ihrer Kleidung schmücken sie auch den Sehbereich und lenken ganz bewusst die Aufmerksam­keit auf die Augen. Die religiös bedingte Verhüllung des Körpers und die damit verbundene Reduzierung der Identität erfährt eine Umkehr in der Auswahl der vorgesetzten ‘Masken‘. Ihre reiche Verzierung erzeugt wiederum eine stolze Identität, die nur wenigen ‘Eingeweihten‘ bekannt ist. Diese Masken heben die sorgfältig geschminkten Augen durch Form und Farbe deutlich hervor.  Eine starke partielle Individualisierung im Kontrast zur Entindividualisierung des Körpers in seiner Verhüllung.

Madiha Sebbani (Marokko) hat ihre beiden Kupfermasken in ihrem Heimatland gearbeitet, in der Stadt Fez. Die großflächige Maske mit ihren unzähligen, dicht angeordneten, wabenartigen Öffnungen ermöglicht dem Betrachter die Gesichts­züge der Trägerin zu erahnen. Sie wiederum erkennt von innen die jeweiligen Gegenüber weit besser, durch die kurze Distanz zum Gitter. Dieses physikalische Phänomen ist bekannt – und ein Nebeneffekt der Architektur im Innenraum von Moscheen bei der Geschlechtertrennung. Die zweite Maske hat in ihrer Grundform ebenfalls einen architektonischen Bezug, ähnelt sie doch einem geschlossenen Gebäude mit unübersehbar religiösem Charakter. Dabei ist die Oberfläche dieser Maske mit weit weniger Öffnungen besetzt und diese ausschließlich in Augenhöhe. Im Gegensatz zur ersten Maske bleiben hier die Gesichtszüge der Trägerin völlig verborgen. Wird hier die Vollverschleierung zitiert – und ggf. auch kommentiert?

Maske oder nicht? Diese Frage stellt sich insbesondere bei den Arbeiten der beiden Künstlerinnen Shokoufeh Eftekhar und Naghmeh Jafari Firouzbadi (Iran). Ihre Akteure tragen einen die Mundpartie völlig verdeckenden breiten Gurt um den Kopf. Er wird gehalten von einem über Stirn und Oberkopf verlau­fenden Band, welches im Nacken wieder mit dem Gurt verbunden ist. Bemer­kens­wert ist die z.T. aufwändig geschmückte Oberfläche des Gurtes, der den Mund verschließt. Offensichtlich wird hier Schweigen thematisiert – oder doch besser das‘ nicht Reden‘? Die beiden Künstlerinnen thematisieren mit ihrer Arbeit die weit verbreitete innere Zensur. Man schweigt und behält seine Meinung für sich - um keine Nachteile zu erfahren. Das Individuum ordnet sich den allgemeinen Vorgaben unter. Mit dieser, einem ’Zaumzeug‘ nicht unähn­lichen Vorrichtung (scold’s bridle), wurden bereits im England des 17. Jahrhun­derts Menschen (vorwiegend Frauen) zum Schweigen gebracht - als Strafe.

Masken sind hier Artefakte um auf Zustände und Sachverhalte zu fokussieren, also nicht in erster Linie um in eine andere Rolle zu schlüpfen. Stattdessen laden alle Künstler*innen ihre ‘Masken‘ mit besonderen Inhalten auf, thematisieren gesellschaftliche Konstellationen, auch Beschränkungen, machen bewusst. Dabei bedienen sie sich des gängigen Prinzips: Sichtbar machen durch Verhüllung. Und das obwohl, oder gerade weil sie alle aus Ländern stammen, in denen die Maske (bei Frauen) selbstverständlicher Alltag ist. Die übergeord­nete Frage: maskiert? ist nicht nur nach dem Grad der Verhüllung zu bewerten, hier dominieren inhaltliche Aspekte. Die eher heitere Konnotation der Ursprungsbedeutung ist ohnehin auf der Strecke geblieben.

 

 

 

 

Jila Mokhtari

*1982, Iran

 

Education

2015-2016      Photography post-production Diploma, Madrid, Spain

2013-2015      Photography Diploma, San Sebastian, Spain

2012-2013      Photography and Art History Studies, Tehran, Iran

2000-2015      Material Engineering (Ceramics), Saveh, Iran

 

Solo Exhibitions

2018                Shirin Art Gallery, Tehran, Iran

2017                San Sebastian Cultural Center, San Sebastian, Spain

2016                Lazkao Cultural Center, Lazkao, Spain

2016                Beasain Cultural Center, Beasain, Spain

2015                Iranian Anuual Portrait Exhibition, Tehran, Iran

 

 

 

 

 

Mous Lamrabat
*
1983 Amazigh Village, Morocco

Currently lives and works in Brussels, Belgium

Group Shows
2021 Loft Art Gallery at 1-54 Paris, Loft Art Gallery, Paris
2020 Just Pictures curated by Antwaun Sargent, projects+gallery, St. Louis 2019 AKAA - 2019, Galerie Number 8, Paris

UN:INVITED hosted by SOMETHING WE AFRICAN GOT, Galerie Number 8, Arles WE ARE HANDSOME, Galerie Number 8, Arles

Art Fair Booths
2021 Loft Art Gallery at 1-54 Paris 2021, Loft Art Gallery
2020 Galerie Number 8 at Photo London 2020, Galerie Number 8

Galerie Number 8 at 1-54 London 2020, Galerie Number 8

 

 

 

Madiha Sebbani

*1991 Salé, Morocco

 

Currently lives and works in London, United Kingdom

 

2020    Global Arts and Cultural Talent Visa for research and practice in the United Kingdom

2019    Public Art and New Artistic Strategies Masters Degree, Bauhaus University, Germany

2015    Graduation as multidisciplinary artist, National Institute for Fine Arts, Tétouan

 

 

Solo Exhibitions

2021    ESCAP3 Gallery (March 2021), Cape Town, South Africa

2017    Silent Treatment, FUHRWERKSWAAGE, Cologne, Germany

2016    Five performances at the FUHRWERKSWAAGE booth, COFA,

            Cologne International Fine Arts Fair 2016, Cologne, Germany

 

Group Exhibitions

2020    Misk Art Week, Riyadh, Saudi-Arabia

2020    „Imprint“, Misk Art Institute, Prince Faisal Bin Fahad Gallery , Riyadh, Saudi-Arabia

2019    Marrakesh Group Show, Belkahia Foundation with Hassan Hajjaj, Morocco

2019    Young Moroccan Artists Show, KFW-DEG Bank of Investment, Cologne, Germany

2019    Young Moroccan Artists Show, Sulger-Buel Gallery; London, UK

2018    Destinées Exhibition, Gallery MAKKI MGHARA, Tetouan

2018    „un oeil ouvert sur le monde arabe“ in Paris, Institut of the Arab World, France

2018    Comptoire des mines-Gallery with Hassan Hajjaj, carte blanche MCSC in Marrakesch

2017    Festival of International Art Video (FIAV), Casablanca, Morocco

2016    Collective exhibition at Ballroom Gallery, Baltimore, USA

 

Residences

2019/20  Artist in residence in Krems, AIR of lower Austria, Austria

2017        Artist in residence, Takafes and dar 7 laouyat cooperation, Fez, Morocco

2017        International Artist’s gathering, Contemporary Art Panel, Fez, Morocco

2016        Artist in residence, FUHRWERKSWAAGE, Cologne, Germany

2015        “Green Olive Art”-Workshop, Tétouan

 

 

 

 

 

Shokoufeh Eftekhar:

*2000 Karaj, Iran

 

Currently lives and works in Essen, Germany

 

Education

2020-today     Photographie and media art at HBK Essen

2015-2019      Graphic Design Studies at Marefat Konservatorium, Iran

 

Exhibitions (selection)

2020    „Nomades at Home“ Notes, Berlin, Germany

2019    „The lies that makes us voiceless“ University of Manitoba, Winnipeg, Canada

2018    „The world with art“ Intern Art Gallery, Rom, Italy

2018    „Hidden“ Marefat Art Gallery, Tehran, Iran

2017    „Emotions“ Pashmin Art Gallery, Hamburg, Germany

 

 

Naghmeh Jafari Firouzabadi

*1991 Iran

 

Currently lives and works in Toronto, Canada

 

Education

2017-2019      Master of Fine Art, University of Manitoba - School of Art, Manitoba, Canada

2010-2010      Bachelor’s Degree of Graphic Design, Store University, Tehran, Iran

 

 

Exhibitions

2019    „All Iranian Women“ exhibition, School of Art Student Gallery, University of Manitoba, Canada                   

            Collaborated with Iranian female artist to address the gender inequality and lack of women rights in Iran. Performed 24 hours of isolation as a simulation of political prisoners’ experience.

 

2019   „The lies That Make Us Voiceless“ exhibition, School of Art Student Gallery,

            University of Manitoba, Canada

            Depicted people’s experiences through creations in photography, visual arts, and                      short videos. Planned scenarios using different backgrounds and props according to artistic requirements to create life reflectingphotographs.

 

2018    „The Familiar“ exhibition, School of Art Student Gallery, University of Manitoba, Canada

            Collaborated with Master’s student of school of art, photography installation.

 

2016    „Hands and Thrones“, Golestan Complex, Iran

            Exhibited series of personally-taken and made photographs on women’s various experiences

Nazgol Majlessi

Jochen Heufelder

 

 

FUHRWERKSWAAGE Kunstraum e.V.

Stifung Kunstfonds

NeuStartKultur

 

 

 

 

The change......

© Bozica Babic

#1 - ART IS THE FUTURE ..................... by Lars Breuer + Esther Stocker

1.1. - 31.1.2021